Estamos con demoras porque estamos armando una pagina con mas informacion, trailers, festivales y muchas novedades para todos los aficionados al cine. Visitanos pronto en http://www.visiondelcine.com.ar/
Una pareja sumida en el dolor por la muerte de su hijo, se retira a una perdida cabaña en el bosque, llamada “Edén”. La pareja tiene la esperanza de que el contacto con la naturaleza cure sus corazones rotos y su tambaleante matrimonio. Pero la naturaleza sigue su curso y las cosas empiezan a ir de mal en peor. En ese remoto escenario empezarán a ocurrirles aterradores sucesos.
El film tuve grandes repercursiones en cannes considerandola como impactante e interesante para ver. El creador del dogma 95 se aborda en el cine de género siempre manteniendo su estilo de camara en mano.
Tras poner fin a un retiro artístico temporal, el actor de origen danés Lars von Trier vuelve en 'Antichrist´, un thriller psicológico que estará protagonizado por la pareja de actores Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg. El rodaje, que ha comenzado este mismo mes en la ciudad de Berlín, se realizará integramente en Alemania y contará con un presupuesto de 11 millones de dólares.
El 27 de Junio; en los cines japoneses se estara estrenando la segunda parte de la renovacion de la serie de culto de los 90, Neon Genesis Evangelion.
Neon Genesis Evangelion 2.0: You Can (Not) Advance cuenta exactamente la misma historia que su predecedora pero con algunos cambios como la aparición de nuevos personajes; y una animación adaptada a los tiempos que corren. El film es la segunda parte de una saga de cuatro films, a mitad del año pasado se estreno Neon Genesis Evangelion 1.0: You are not Alone.
El director de la trilogia sobre la venganza se torna al genero de ficción-terror; con su nueva pelicula Bakjwi (Thirst). El argumento recae en la historia de un devoto cura de un pequeño pueblo que se ofrece como voluntario para un experimento médico; que falla y lo convierte en un vampiro. Entre sus cambios físicos y psicológicos comenzará una aventura con la mujer de un amigo que esta agoviada de la vida mundana que lleva. Él tendra que pelear por mantener lo poco de humanidad que le queda.
No es habitual encontrar una ópera prima con la intensidad de esta película coreana, ganadora del último festival de Rotterdam. Menos aún una en la que su director-guionista-productor sea también el intérprete del papel protagónico. Y ni hablar de que el rol en cuestión sea uno de los personajes más desagradables que se puedan imaginar para un actor con ganas de lucirse. Sang-hoon, el protagonista, es uno de esos patoteros que los prestamistas contratan para cobrarle a los morosos; el último eslabón de una cadena financiera al margen del sistema y con sus propias reglas. Sang-hoon es un hombre violento y el mundo del que proviene también lo es. La única que parece comprenderlo y hacerle frente es una adolescente (Kim Kko-bbi) cuyo fuerte carácter esconde sus propios problemas. El encuentro entre estos dos personajes suele provocar que algunos espectadores abandonen la sala. No deberán asustarse si se chocan con Sang-hoon a la salida: el director estará presentando su película en el festival…
BRENDAN AND THE SECRET OF KELLS Tomm Moore
El anciano Aidan, ayudado por su gato, protege el Libro Ilustrado de Kells en una abadía irlandesa del siglo IX que trata de preservarse de los ataques vikingos. Pero ese libro está inacabado y Brendan, a pesar de sus doce años, quiere afrontar todas las aventuras que sean necesarias para completar ese libro, a la vez histórico y mágico. La iniciación de Brendan lo hará ingresar a un bosque encantado, donde tendrá la ayuda del hada misteriosa Aisling y deberá luchar con la poderosa serpiente. En esta primera película, Tomm Moore consigue condensar la historia medieval irlandesa –pero especialmente celta– con la mitología fantástica de los relatos clásicos infantiles y el tema del crecimiento y el fin de la niñez a través de un dibujo único, completamente diferente de lo que el cine de animación provee a los chicos. Como si Moore reprodujera las estampas medievales, quitándoles profundidad, el dibujo trabaja sobre lo circular, para envolver al protagonista y al espectador en un desarrollo de escenas siempre imprevisible y de una belleza capaz de deslumbrar sin perder las raíces culturales que despliega tan mágicamente como el libro de Aidan. En medio de tanta contaminación visual, Brendan and the Secret… es un antídoto contra la homogeneidad de la animación.
BUT NO ONE Su Friedrich
Con este film, quería investigar un dispositivo formal que había empezado a usar en Gently Down the Stream: presentar sueños textualmente bajo la forma de palabras rayadas en el material fílmico, a las que hay que leer, en vez de recrear el "clima" del sueño en imágenes. En el film anterior usé catorce sueños. En But No One me concentré en uno solo; uno que me perturbó por su apariencia amoral y pasiva. El texto está presentado a través de la misma técnica de la "palabra rayada" que usé en la película anterior, pero de una manera más juguetona y sorpresiva. Las imágenes vernáculas crudas filmadas en las calles del Lower East Side contrastan con las extrañas imágenes conjuradas por el texto.
La crisis económica que golpea al mundo estos días se viene gestando desde hace años, como se puede apreciar en este film que recorre un paisaje muy poco visitado: las fábricas abandonadas que descansan esparcidas por el horizonte de la costa Oeste de los Estados Unidos. A través de la filmación de esos cadáveres de concreto que florecieron con una rapidez vertiginosa a comienzos del siglo veinte –y que hoy se resisten a desaparecer– y de diversos materiales (como una asombrosa publicidad narrada nada menos que por Ronald Reagan) el film construye un réquiem que por un lado puede verse como una versión posible de la historia económica reciente y, por el otro, como una meditación acerca del paso del tiempo y de la facilidad con que las cosas y la gente pasan a ser prescindibles. En la línea de los trabajos de James Benning y John Gianvito, Lee Anne Schmitt reúne política e historia en una obra individual y al mismo tiempo esclarecedora acerca de los modos en que se mueve el mundo.
En el Asís contemporáneo, un trovador recorre las calles entonando el "Cántico del Hermano Sol", escrito por San Francisco en el invierno de 1224, y considerado una de las primeras composiciones en idioma italiano. En los bosques de Umbria –mezcla de follaje verdadero y fondos de cartón pintado–, en 1212, la leyenda del santo que predicaba para las aves (y la de Santa Clara) se convierte en un extrañamente hipnótico pesebre viviente.
CARMEN STORY Helena Trestiková
Dos de los primeros (y de los muchos) trabajos de Trestiková para la televisión nacional checa. Un retrato de Lída Baarová, diva del cine alemán en los años ’30, caída en desgracia por haberse convertido en la amante de Joseph Goebbels, el ministro de Propaganda de Hitler: la mujer que “pudo haber sido tan famosa como Marlene Dietrich” –como ella misma se lamenta en La dulce amargura de mi vida, su autobiografía editada póstumamente– repasa pocos años antes de morir –sola, enferma y sin poder regresar a su República Checa natal– su carrera, intentando hasta el último momento desviar la atención de la relación que condenó su existencia. Y el detrás de escena de los ensayos para la ópera Carmen en el Teatro Nacional de Praga, convertido en una batalla de egos entre la soprano Dagmar Pecková y el director Jozef Bednarik. Dos personalidades tan talentosas como explosivas, que se recortan contra el telón –a veces emocionante, a veces divertido– del proceso de la (re)creación artística y la búsqueda de nuevas concepciones para viejos personajes, para relatos clásicos.
No es fácil definirlas pero todos conocemos esas ferias ambulantes, primas hermanas de los circos, que combinan el vértigo de la "vuelta al mundo" con la invitación a ganar un peluche haciendo puntería, y que en una época solían exhibir a algún freak en el fondo de un carromato. Llegan a los pueblos, están algunas semanas y luego se van. Todos, de chicos, fantaseamos con irnos tras ellas. Alison Murray hace precisamente eso, y si bien esto es un documental, su mirada curiosa, íntima, obnubilada, capaz de registrar a los feriantes en sus gestos más mínimos –y, por eso mismo, de revelar sus pensamientos– logra hacernos sentir por un rato parte de esa caravana ambulante, descubrir a los seres marginales que la habitan –esos que alguna vez fueron como nosotros– y participar de sus sueños y fracasos. Este proyecto teñido de nostalgia se basa en el libro de fotografías Carny: Americana on the Midway, de Virginia Lee Hunter, quien también fue operadora de cámara del film.
CASTING A GLANCE James Benning
Entre el 15 de mayo de 2005 y el 14 de enero de 2007, viajé 16 veces al "Spiral Jetty". Creado en 1970, el "Jetty" es un malecón en forma de espiral de 450 metros de largo que llega hasta el lago Great Salt de Utah, construido con rocas, tierra, sal y algas rojas. El film resultante traza el mapa de los 37 años de historia del "Jetty" a través de la observación y la escucha de la repetición de sus cambios. Comprendí que el "Jetty" es un barómetro para una gran variedad de ciclos. Desde la mañana hasta la noche, su apariencia equívoca, cambiante (radical o sutil) puede ser el resultado de una combinación meteorológica pasajera o simplemente de las alteraciones en el ángulo del sol. Las variaciones estacionales y de nivel del agua modifican el crecimiento de los cristales de sal, la cantidad de algas en el agua y la presencia de vida salvaje. El agua puede verse azul, roja, púrpura, marrón o dorada. Los sonidos pueden provenir de un avión de la marina, de la vida salvaje, el agua que corre o salpica, la radio del auto de un visitante, tormentas que convergen, o puede haber un silencio tan profundo que permita escuchar la sangre correr por las propias venas.
¿Por qué todos buscan a Castro? No lo sabemos, pero tras él van Samuel, Willie, Rebeca Thompson y a cierta distancia, Acuña. Lo cierto es que Castro se fue de la Capital con Celia, y sólo huye, y cree que si consigue trabajo eso dañará el amor. Castro (el personaje) tiene algo arltiano, aunque sea más rápido para las fugas que para los inventos y piense en cómo sobrevivir sin que lo ahoguen. Castro (la película) es una película sobre la velocidad del cine y por eso hace de la persecución y el encierro dos de sus gozosas constantes y va regando pistas –da igual si falsas o verdaderas– que obligan al espectador a adoptar esa velocidad a riesgo de quedarse demasiado atrás; como en esa persecución de cuatro autos o el desopilante seguimiento callejero donde los perseguidores se hacen señas abriendo sus paraguas, en una coreografía brillante y desaforada, dos escenas que alcanzarían para mostrar el talento de un cineasta. Con el timing perfectamente sincronizado de la comedia slapstick, con un uso del habla y del secreto narrativo muy propios del policial negro o del melodrama policial, en su primera película en solitario Alejo Moguillansky ofrece una película totalmente nueva.
“Fragmentos de espacio desconectados, desatados, son objeto de un reencadenamiento específico por encima del intervalo: la ausencia de concordancia no es más que la apariencia de un ajuste que puede hacerse en infinidad de maneras.” (Gilles Deleuze sobre Straub-Huillet, La imagen-tiempo) Un montaje que incluye pinturas del artista, material rodado al pie del Mont Sainte-Victoire y escenas de las películas Madame Bovary de Jean Renoir y The Death of Empedocles de los mismos Straub. El film es un homenaje a la luz, al color, la pintura, la naturaleza, el cine y el terrible y glorioso mundo de la realidad.
Construido en 1883, el Hotel Chelsea es un ícono neoyorquino. Pero no de cualquier Nueva York: es un ícono de la bohemia roñosa; de los artistas que se sienten más cómodos entre drogadictos y prostitutas que en exposiciones o cócteles; una torre hecha no de marfil, sino de corredores mal iluminados, alfombras raídas y olores que harían salir espantadas a las Musas. Y sin embargo, allí se gestaron obras como Chelsea Girls de Warhol y En el camino de Jack Kerouac. ¿Quién si no Ferrara, viejo inquilino del Chelsea y especialista en el bajo vientre neoyorquino, podía emprender el retrato de un lugar así? Milos Forman, Bob Dylan, Dylan Thomas, Jackson Pollock, Janis Joplin, Tom Wolfe, Robert Crumb, Ethan Hawke, Sid Vicious: la lista de residentes pasados y actuales del Chelsea, devueltos en las imágenes de archivo, entrevistas y reconstrucciones (como la de la infame muerte de Nancy Spungen en la habitación 100) que Ferrara acumula con fervor y su eterno humor cáustico, es simplemente impresionante. Finalmente, Chelsea on the Rocks también es una película de denuncia: una contra los nuevos administradores, empeñados en convertir a la leyenda viva en un impersonal hotel-boutique.
En Black Sin, los Straub regresan al Empédocles de Hölderlin y al Etna. Se trata de un oscuro texto político y los personajes que han subsistido caminan sobre cenizas negras como fantasmas de otro mundo. Es un texto de despedida y de recuerdo. Al final de la película, una extraña mujer repone a los desaparecidos, conjura el “espíritu vivo” y pide “una inundación después de la sequía”. En ese momento, el fragmento de Hölderlin también se queda mudo.
BLIND PIG WHO WANTS TO FLY Edwin
Con una actitud explícita de dinamitar cualquier frontera cultural, la ópera prima de Edwin propone una narración que si bien se ubica en la Indonesia actual proyecta el problema de la identidad nacional de sus personajes y de sus imágenes más allá de cualquier paradigma. Desde un surrealismo moldeado en la era del Google Earth, Blind Pig Who Wants to Fly es una narración desmembrada con textura onírica que nunca llega a convertirse en un collage de sketchs extraños porque consigue mantener una estilización y un tono perplejos en cualquiera de esas situaciones alucinadas, forjadas por una imaginación precisa pero enrevesada. Pasando del melodrama familiar y sexual a un reciclaje pop con mirada impávida, que desencadena algo parecido a una comedia musical minimalista al ritmo obsesivo de “I Just Called to Say I Love You”, la película atraviesa la religión, el deporte, la profesión y la sexualidad de personajes que, aunque por momentos parecieran marcianos, son convertidos por la película en seres de una humanidad desconcertante.
Bonus Track y 180 grados –también presente en esta edición– forman parte de lo que Perrone se anima a llamar una "nueva trilogía", cuya tercera pata está aún en proceso. Las películas pueden verse de manera independiente, aunque ciertamente tienen puntos de contacto. Casi quince años pasaron desde Labios de churrasco, pero los personajes de Perrone no han envejecido: siguen siendo adolescentes, jóvenes. Lo que ha cambiado ha sido el ambiente y las marcas culturales. Del videoclub y el fulbito pasamos a la PC y el mundo skater, y el rock suburbano de los primeros films vira a una música menos nítida, más ambiental. En estos años, además, el estilo Perrone se ha asordinado: ya no importa tanto lo que los personajes dicen o hacen, como el ruido que hacen al hablar o la sombra de sus movimientos. En Bonus Track, los protagonistas tienen un lugar de reunión secreto que funciona como código de iniciación: un viejo cine abandonado y convertido en pista donde practican –no muy bien– sus saltos, despreocupados del efecto nostálgico que el espacio tendrá en los espectadores de esta película y en el propio realizador.
Un film rumano que presenta suficientes novedades sobre modelos premiados años anteriores (4 meses, 3 semanas, 2 días) como para que casi podamos hablar de una nueva ola del cine rumano. En su película anterior (The Paper Will Be Blue), Muntean también se había centrado en los últimos días de Ceaucescu. Ahora sus intereses parecen hallarse mucho más lejos, sin necesidad de recurrir a coartadas políticas o estéticas a la moda de cara a la galería. Bien avanzada la película, uno de los protagonistas llama la atención a uno de sus amigos sobre una emisión televisiva: "Mira, Seúl". Somos conscientes entonces de que estamos asistiendo a una traslación a Rumania de las típicas historias de Hong Sang-soo: ambientación en una ciudad de vacaciones en temporada baja, reencuentro de unos amigos al cabo de varios años, el peso del pasado que deja traslucir el desencanto del presente, largos planos secuencia... Boogie es un cuento moral profundamente melancólico.
BORIS RYZHY Aliona van der Horst
La poesía, la mafia rusa, la Perestroika, el amor y el suicidio: todo eso confluye en el corazón de la figura de Boris Ryzhy e, inevitablemente, en el de Boris Ryzhy, el documental de Aliona van der Horst sobre la vida y obra de uno de los poetas rusos más importantes de fines del siglo veinte. “Todos mis poemas tratan acerca de la vida y la muerte… pero más allá de todo, estoy contento con mi mujer y mi hijo”, declaró una vez Ryzhy, y poco tiempo después, a sus 26 años, se ahorcó. Ese fantasma confuso y principalmente indescifrable es el que esta película trata no sólo de evocar, sino también de materializar, a la manera de un médium. Las viejas cintas grabadas por el poeta atraviesan a Boris Ryzhy, dando vuelta a las imágenes suburbanas que lo inspiraron y que mantendrán su obra viva por mucho tiempo. Una película de amor, en última instancia.
La ley. El sistema judicial. Los detenidos. Jorge Caballero Ramos se mete en la cotidianidad de la justicia de Bogotá. ¿Los grandes delitos, los detenidos ricos, los peces gordos? No, aquí vemos cómo es el proceso de los delitos pequeños: el robo de un celular, el robo de cables, la venta de CDs piratas... Vemos la clase más baja de la delincuencia, gente a la que incluso es difícil ubicar en esa categoría; algunos de ellos son apenas buscavidas, desesperados, pobres sin vueltas, infractores menos peligrosos que quien no respeta un semáforo. Sin embargo, por las leyes vigentes, son castigados con una dureza llamativa. En Bagatela mayormente asistimos a las diferentes charlas de los detenidos con los abogados, a la exposición de sus casos y al despliegue de sus posibilidades. Y también a alguna resolución del juez. Pero, sobre todo, asistimos a una realidad sintomática construida mediante una narrativa límpida y una observación tan minuciosa como respetuosa y distanciada.
BARBE BLEUE Catherine Breillat
Con ambientación austera y simples recursos de montaje, Catherine Breillat desarrolla una sencilla pero entrañable versión del clásico de Charles Perrault. A una de las hermanas, Catherine, le gusta asustar a la otra, Marie-Anne, con cuentos de hadas e insiste con la lectura de Barba Azul. El relato de fines del siglo XVII se empieza a desarrollar en la pantalla. Otras dos hermanas cayeron en desgracia económica. Después de meditarlo, la más joven accede a casarse con el acaudalado Barba Azul, aún desagradable como es, aún desconociendo el paradero de sus siete mujeres anteriores. Cuando éste sale de viaje, ella sólo tiene que respetar la prohibición de entrar al cuarto misterioso del castillo. Pero la curiosidad de las hermanas abre camino al esperado horror. Breillat consigue representar el crudo y sangriento desenlace y mantener el tono de frescura y ensueño juvenil de las jóvenes en París de los años 50.
BÁSICAMENTE UN POZO Grupo Humus
El maestro de un colegio primario tiene una idea ridícula pero científicamente coherente, que demuestra la veracidad de la Ley de Gravitación Universal de Isaac Newton. La idea consiste en hacer un pozo que atraviese la Tierra para comprobar que, si los cuerpos están siempre sometidos a una fuerza dirigida hacia el centro de la Tierra, todo cuerpo que se abisme en ese pozo-túnel haría un recorrido en caída libre hasta el otro lado para volver a hacer el recorrido inverso, atravesando la Tierra como un péndulo infinito. Y la obsesión de hacer ese pozo para verificar tan esperpéntico postulado es el centro de gravedad cómica que atrae y abisma cada segundo de esta película, donde un pueblo entero está dedicado a una utópica extravagancia científica. Esta misión estrafalaria es la excusa para formar un colectivo espontáneo que pinta virtudes y defectos de la interacción, la fidelidad y la energía comunitaria. Por eso, que la película esté dirigida por el colectivo Humus no es casual: es coherente.
BAYAN KO: MY OWN COUNTRY Lino Brocka
Muerto en 1991 en un accidente automovilístico, Lino Brocka es considerado el cineasta más importante de Filipinas. Quizás podría hablarse del principal credo de Brocka (del cine como disparador, a ráfagas por segundo, de denuncia, de melodrama, de inteligencia) o quizás se podría presentar su Bayan Ko como uno de los izquierdazos más fuertes que recibió la dictadura de Ferdinando Marcos. Convirtiendo la historia de un tipo desesperado que sale a robar para mantener a su familia en el espejo de una época, y a la vez traduciendo en ese relato la furia por el aquel entonces reciente asesinato del periodista Benigno Aquino, la poderosa, comprometida película de Brocka logró atraer la atención mundial hacia los pobres y los marginales de su país, aunque para eso el director haya tenido que contrabandearla hasta Cannes y, como consecuencia de ello, perder temporalmente su ciudadanía filipina. Bayan Ko, finalmente, puede verse en doble programa con el último "film sin film" de Khavn de la Cruz (uno de los herederos más talentosos de Brocka), Manila in the Fangs of Darkness, que se presenta en la sección Panorama.
BE CALM AND COUNT TO SEVEN Ramtin Lavafipour
El mar y la playa de esta película pueden hacernos pensar tanto en Lost como en las costas italianas del neorrealismo. Como sucediera más de una vez en aquel cine de posguerra, aquí la presencia de un chico sirve para mostrar el estado de una sociedad. Pero como pasa también en la serie de televisión mencionada, el agua es una frontera misteriosa, infranqueable durante todo el relato. Claro que el territorio de este film es uno tan aparentemente lejano del nuestro como puede serlo un Irán que ni siquiera se parece al construido por Kiarostami (tanto más real –que no realista– cuanto más transfigurado por su mirada). Mucho de lo que parece regional en este film se revela universal, o más bien global, a partir de ese chico que sueña con ser como Ronaldinho mientras debe enfrentar la desaparición de su padre y ganarse la vida con el contrabando. Junto a él hay un intermediario con dolor de muelas que se la pasa hablando por teléfono con su esposa que vive en Teherán, y una chica que perdió a su novio durante la noche de bodas y cultiva un árbol en medio del desierto.
BEAUTIFUL LOSERS Joshua Land
Los perdedores más lindos de la escena artística norteamericana de los noventa son, paradójicamente, los más exitosos de la escena contemporánea. Barry McGee, Ed Templeton, Margaret Kilgallen, Harmony Korine, Geoff McFetridge, Mike Mills, y la lista sigue. Si bien ahora muchos trabajan como artistas de diseño para Nike, Pepsi o MTV, hasta no hace mucho todavía eran un puñado de lúmpenes adorables con skates, cámaras, pinceles y aerosoles bajo el brazo. Y esas raíces algo amargas son las que el documental de Aaron Rose, artista, curador y fundador de la galería de arte Alleged (antiguo núcleo de los losers), intenta desenterrar y mostrar con lujo de detalles, a través de entrevistas y visitas a los estudios de cada artista. En su aparente sencillez, Beautiful Losers retrata el comienzo de todo, el estallido, el movimiento y la cristalización de un nuevo capítulo de la historia del arte estadounidense, protagonizado por unos tipos y tipas muy simpáticos.
Como en las dos películas anteriores de Bujalski (Funny Ha Ha y Mutual Appreciation), la historia en Beeswax, en términos de narración, es mínima en relación a la trascendencia de los personajes y sus acciones. Usualmente comparado con Cassavetes y Rohmer, el director pone en el centro del relato a dos hermanas gemelas, Jeannie y Lauren (gemelas en la vida real y sin experiencia previa frente a la cámara), que viven en Texas. Una de ellas está en silla de ruedas desde la infancia y es dueña de un negocio de ropa usada que comparte con una amiga; la otra no puede decidirse entre trabajos ni entre novios. Una posible demanda legal desencadena una serie de situaciones que obligará a las hermanas (y al ex novio de una de ellas) a abrirse paso entre complicaciones jurídicas y románticas, describiendo con afecto y sensibilidad a una generación que intenta, como puede, hacerse cargo de la adultez.
BERNADETTE Duncan Campbell
Bernadette es Bernadette Devlin, activista católica irlandesa que en 1969 se convirtió en la mujer más joven en acceder a la Cámara de los Comunes, a quien le prohibieron hablar tras los incidentes del domingo 30 de enero de 1972 (conocido como "Domingo sangriento"), y a quien hace menos de seis años le negaron la entrada a los Estados Unidos por considerarla un peligro para la seguridad nacional. Pero la Bernadette de esta película no tiene nada que ver con los datos de la Enciclopedia Británica (o de Wikipedia) inventariados aquí. Con los gestos, miradas y palabras recogidos por las cámaras hacia finales de la década del sesenta, Campbell organiza un retrato de intensidades. Ni la trivialidad biográfica de una mujer ni el repaso histórico de una época: el registro compuesto de unos rostros, unas ropas, una luz, unas calles, una determinada materia fílmica. A Melissa Gronlund, del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, los procedimientos de la película le recuerdan a los de Godard en El desprecio. La obsesiva atención que Campbell le dispensa a los rostros tampoco lo hace indigno de Griffith, Eisenstein o Dreyer.
BEZHIN MEADOW Sergei M. Eisenstein
En tiempos de colectivización y avance revolucionario en la URSS, algunos kulaks se enfrentan a los koljózniks; una lucha vista también a través del prisma histórico y mítico del enfrentamiento entre un padre y su hijo, el heroico Stepok. Comenzada dos años antes, la producción de Bezhin Meadow fue suspendida en 1937 porque el film de Eisenstein había disgustado a Stalin. Los rollos de película desaparecieron durante la Segunda Guerra Mundial, seguramente destruidos en el incendio tras algún bombardeo. El film, no obstante la doble desgracia (la suspensión y la destrucción), logró ser restaurado a partir de los casi setecientos fotogramas sobrevivientes, lo que se traduce como una imagen para cada plano de la cámara. La reconstitución de Bezhin Meadow está dedicada “a la memoria de Péra Atachéva, quien ha conservado el material que compone el film”.
Chris Bell y sus hermanos son fisicoculturistas, y toman o han tomado esteroides. Chris hace un documental de investigación en primera persona, como a los que nos tiene acostumbrados Michael Moore. Como ocurre con los documentales (o panfletos) de Moore, Bigger Stronger Faster* es una película de gran impacto, llena de declaraciones polémicas y en la que el documentalista pone la cara y el cuerpo (esto último, especialmente atinado en este caso). También, al igual que Moore, Bell intenta interpretar su país a partir de uno de sus tantos aspectos controvertidos. Sin embargo, a diferencia de Moore, Bell quiere saber y no está seguro de antemano: quiere investigar primero para luego poder pensar o argumentar. En Bigger Stronger Faster* asistimos entonces a una investigación –con humor, ironía y también dolor– sobre el deporte, los negocios farmacéuticos y las conveniencias políticas ante las fluctuantes prohibiciones y los discutibles permisos para todo aquello que mejora a los deportistas. Y, además, sobre las figuras expansivas de Hulk Hogan, Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger y el cine de los ochenta de Reagan.
John Perkins fue un "economic hitman", esto es, un asesino a sueldo, un mercenario, un sicario económico, al servicio de intereses estadounidenses. En su libro Confesiones de un terrorista económico y en esta película, Perkins cuenta de qué manera operó, presionó y en algunos casos fue el antecedente de "aprietes" mucho más fuertes y mortíferos. Perkins formaba parte de un grupo secreto que no podía ligarse al gobierno de Estados Unidos. Pero… Apology of an Economic Hitman, una película frontal y valiente, deja hablar a Perkins, y éste revela mecanismos aterradores, e incluso lo vemos expuesto frente a quienes perjudicó. Entre muchas otras explicaciones acerca de la creación del gran imperio económico de la segunda mitad del siglo XX, Perkins afirma que las muertes del presidente panameño Omar Torrijos y del ecuatoriano Jaime Roldós no fueron accidentales y hasta cuenta cómo fueron los hechos (en los que él participó) que antecedieron a esos sucesos. Un documental de combate, enérgico, urgente.
AQUELE QUERIDO MÊS DE AGOSTO Miguel Gomes
Un verano como otros, en la portuguesa Arganil. Hay procesiones religiosas, jóvenes acampantes, pueblerinos simpáticos y fuegos artificiales que se alternan con bandas de música popular y con situaciones como la del director de una película –la que estamos viendo– que ve amenazada la continuidad del rodaje y los esbozos de conflictos y atracciones entre algunos de los integrantes de las bandas. Pero de un modo imperceptible, a un tiempo mágico y mítico, esa apariencia “documental” va esfumándose para dejar asomar la contracara que merece, su complemento de espesor “ficcional”, y ya las canciones dejan de sucederse en su carácter festivo para empezar a iluminar un triángulo amoroso melodramático. La extrema originalidad de Aquele querido mes de agosto no está sólo en la manera complejísima con que Gomes filma lo simple y lo banal, ni en la notable singularidad para hacer converger acciones o diálogos o personajes simultáneos en un mismo plano, sino en el modo en que vuelve indiscernible la frontera entre lo real y lo ficcional, así, sin comillas que los distingan. Una película única que nos hace pensar en muchas películas y situaciones de la vida, diferenciándose de todas.
ARCHANGEL Guy Maddin
"Al observar este espectáculo a menudo impenetrable, el cerebro se reparte entre la frustrante tarea de seguir el relato de Maddin y una admiración gagá por su convicción estilística". Así intentaba el crítico J. Hoberman comenzar a describir la segunda –"estilizada, embrollada, visionaria"– película del cineasta Guy Maddin; misión tan complicada como los enredos que ocasiona la llegada del teniente John Boles al pequeño pueblo ruso de Archangel en plena Revolución Bolchevique. Boles vuelve de una guerra que nadie sabe que terminó y de perder, además de una pierna, a su amada Iris. Conoce a Veronkha, a quien confunde con Iris, y quien a su vez lo confunde con su esposo Philbin, un amnésico que no la recuerda a ella y cree vivir cada noche una luna de miel. Ningún resumen argumental le hace justicia a este melodrama deadpan, a esta comedia lúgubre que homenajea a las producciones parcialmente habladas de fines de los '20, que puede hacer pensar tanto en Von Sternberg como en el cine de los hermanos Quay; en el Lynch de Eraserhead como en Eisenstein. Y que parece transcurrir dentro de una de esas esferas de nieve de juguete, pero durante un terremoto.
ARROZ CON LECHE Jorge Polaco
Desde su corto en Super 8 Margotita (1984), construido a partir de la figura senil de Margot Moreyra, las representaciones de la vejez fueron sustanciales para definir la estética del cine de Jorge Polaco. Ahora, centrándose casi exclusivamente en esa línea, construye Arroz con Leche, una película sobre dos hermanos que deciden internar a su padre en un geriátrico, donde la vejez parece convertirse en una nueva infancia (el título deriva de una canción para niños), pero sin tener el tufillo a ternura ni la mirada compasiva. Con su característica teatralidad del exceso, yendo desde la performance esperpéntica hasta la poesía ultrakitsch, sin dejar de pasar por una comicidad desconcertante, la película puede convertirse en una musical naif o en una serie de estampitas de las divinidades más descartadas de cualquier credo. La que sigue siendo la diosa profana de muchos es Isabel "La Coca" Sarli, quien luego de colaborar con Polaco como protagonista de La dama regresa (1995), vuelve en un rol breve para actuar de ella misma, es decir, para ser la alucinación carnal más exuberante.
Basado en la novela de culto homónima y ambientada en el mundo de las pandillas de hooligans de la Inglaterra de los primeros años de Margaret Thatcher, este film cuenta la historia de Paul, un joven que pese a que intenta escaparle a la tirante relación con su familia (su madre murió y sólo tiene a un padre distante y una hermana menor) y a su aburrido trabajo persiguiendo chicas, yendo a recitales y alentando a su equipo de fútbol, no ve cumplirse sus esperanzas. Pero cuando conoce a Elvis, quien lo introduce al mundo de las pandillas, todo cambia y siente que se acerca al mundo que siempre quiso pertenecer. Elvis es homosexual y siente que no está del todo cómodo conciliando ambos mundos. Formando parte de la banda y liderados por “El general”, quien dirige a sus “soldados” como si formaran parte de un ejército real, los jóvenes se sumergen en una vorágine de peleas callejeras y violencia salvaje, mientras intentan dar sus primeros pasos en el amor y el sexo, todo al ritmo de la música post-punk que dispara la banda de sonido.
La sorpresa y el miedo rondan cada vez que alguien decide hacer un film en animación por computadoras. Salvo que se trate de un realizador como Ocelot, que ha demostrado no sólo una enorme capacidad para adaptar el tema a la técnica, sino para no perder su universo poético más allá de las herramientas que utilice. Azur y Asmar son dos amigos de infancia criados por la misma nodriza: Asmar es el moreno hijo de la mujer, Azur un rubio príncipe. El tiempo los separa de modo brutal, hasta que Azur decide volver a su tierra natal en busca de un hada, búsqueda a la que une al ahora exitoso mercader Asmar. El color y los arabescos del Magreb son ideales para ser tratados con la computadora, lo que crea un campo de maravilla y cohesión absoluta para este film de aventuras y amistad que, como metáfora, también habla de la convivencia y de las diferencias. Pero nunca desde la admonición o la moraleja puesta con calzador: son la acción, las aventuras fantásticas, el color y las emociones de sus dos protagonistas las que van tejiendo –son– el "mensaje" que puede dejar el film. Sí, es un film divertido y épico, emotivo y trepidante. Y también una lección para quienes creen que la computadora llegó a la animación sólo para bajar costos: Ocelot la transforma en una herramienta poética de primer orden.
El film tuve grandes repercursiones en cannes considerandola como impactante e interesante para ver. El creador del dogma 95 se aborda en el cine de género siempre manteniendo su estilo de camara en mano.